PRINCIPIOS DE LA ANIMACIÓN.

Los 12 principios para la animación fueron creados en los años 30 por animadores en los Estudios de Disney. Se trata de una serie de reglas básicas de animación que se utilizaron como base creativa y de producción de dibujos animados en aquella época.

Estos principios hoy siguen funcionando, ayudan a crear personajes y situaciones más creíbles, proporcionan sensación de realidad. Para 3D estos principios se han tenido que reinterpretar y expandir, incluso se han tenido que añadir algunos principios adicionales que den soporte a los nuevos estilos y técnicas utilizados en la animación. 

Los 12 principios han evolucionado para adaptarse a la animación 3d:

ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech)

La exageración, la deformación de los cuerpos flexibles. Sirve para lograr un efecto más cómico o bien más dramático. El estiramiento muchas veces se relaciona con la velocidad y la inercia.

ANTICIPACIÓN (Anticipation)

Se anticipan los movimientos, esto guía la mirada del espectador. Anuncia sorpresa. Se verán tres pasos: Anticipación (nos prepara para la acción); la acción en sí misma y la reacción (recuperación, término de la acción).

PUESTA EN ESCENA (Staging)

Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes. Poniendo en escena las posiciones claves de los personajes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente, esconder o revelar el punto de interés, o las acciones en cadena, acción – reacción, son dos ejemplos.

ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose)

Éstas son en realidad dos técnicas de animación diferentes. En la acción directa creamos una acción continua, pasó a paso, hasta concluir una acción impredecible, y en la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.

La acción directa se distingue por la fluidez del movimiento, proporciona un look fresco, suelto y desenfadado. Influye la creatividad.

En la acción pose a pose se desarrolla un planteamiento inicial, es una animación más controlada que viene determinada por el número de poses y las poses intermedias.Se pueden mezclar estas dos técnicas.

ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping action)

Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En ellas el movimiento continúa hasta finalizar su curso.En la acción continuada, la reacción del personaje después de una acción nos dice cómo se siente el personaje.En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje.

En la animación 3D se utiliza mucho la acción continuada, por ejemplo en las simulaciones dinámicas de la ropa o el pelo.

FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out)

Acelerar el centro de la acción mientras que se hacen más lentos el principio y el final de la misma.

ARCOS (Arcs)

Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.

ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action)

Pequeños movimientos que complementan a la acción dominante. Son resultantes de la acción principal. La acción secundaria no debe estar más marcada que la acción principal.

SENTIDO DEL TIEMPO (Timing)

Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo y las sensaciones de escalas y tamaños.

EXAGERACIÓN (Exageration)

Acentuar una acción. La hace más creíble. La exageración ayuda a los personajes a reflejar la esencia de la acción

MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS

Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas al alinear los personajes con la cámara.

PERSONALIDAD (Acting)

La personalidad, o la apariencia, como se le llamó en un principio, facilita una conexión emocional entre el personaje y el público. Debemos desarrollar nuestros personajes hasta darles una personalidad interesante, con un conjunto de deseos y necesidades claras que marquen su comportamiento y sus acciones. 

LA CREATIVIDAD

La creatividad es creación, se puede definir como el proceso de crear algo ya ser artística, tecnológicamente… La esencia de la creatividad se basa en crear cosas únicas, originales que no han sido creadas antes.

La creatividad es una de las habilidades más valoradas, llegándose a pagar auténticas millonadas, sobretodo en los proceso artísticos, el ya tan conocido: arte.

PERSONALIDAD CREATIVA

La personalidad creativa es aquella que constantemente se vuelca en ser única y original en aquello que hace. La mayoría de las personas (un 90% o más) no crea, simplemente copia y como mucho modifica. Podemos ver infinidad de PC’s iguales, infinidad de yogures copiados unos de otros, infinidad de negocios en internet copiados todos ellos. TODOS. Viendo como abunda el copy & paste es normal que actualmente haya escasez de creatividad y probablemente el ser creativo siempre ha escaseado en las personas.

Cuando me inicié en el negocio de internet lo hice todo desde cero, basándome en mi mismo y pensando que es lo que quería la gente, de este modo he hecho un proceso completamente creativo y original de ventas que casi nadie más hace en el mundo del marketing e internet y está teniendo bastante éxito.

Esto es derivado del proceso creativo, de tener una personalidad creativa. Una personalidad creativa da como resultado una vena artística, ya sea escritura, fotografía, edición de videos, pintura, música o cualquier cosa que sea crear algo por ti mismo.

Las personalidades creativas disfrutan creando y de una personalidad creativa nació Mozzart, Picasso o Leonardo Da  Vinci, todos hemos oído sus nombres y es que las personalidades creativas, como hemos dicho antes, están muy valoradas por la sociedad y por todos.

Podríamos decir que todos los artistas (escritores, actores, músicos) tiene una personalidad creativa y tener una personalidad creativa te hará ser superior al resto de los demás te dediques a lo que te dediques.

SER CREATIVO

Ser creativo no es tan complicado, incluye una personalidad pensativa e imaginativa que puedes aprender e implementar en ti. Lo cierto es que las personas creativas disfrutan muchísimo más la vida porque experimentan el mundo constantemente con sus emociones.

Pero recordemos que todos somos humanos y lo que un humano puede aprender, otro también puede aprenderlo, así que vamos a aprender a ser creativos. ¿Cómo lo haremos? Pues implementando los hábitos que la gente creativa ha implementado en si alguna vez y que por eso son creativos.

Esos hábitos se han podido implementar por simple gusto, obligación o por circunstancias de la vida. Si tú implementas estos hábitos adquirirás por regla de 3 una personalidad creativa en menor o mayor grado que además, aunque en un futuro dejes de tener estos hábitos, tu personalidad ya será creativa para siempre, en menor o mayor grado.

Lee

La lectura es la ciencia de la imaginación, leer nos acostumbra a imaginar y pensar. Ver la televisión ha aniquilado en cierto modo nuestra capacidad de imaginación, sobretodo los programas aburridos. Leer fomenta la imaginación y la imaginación es creatividad, acostúmbrate a leer por lo menos 1 o 2 libros al mes, novelas de misterio, terror, fantasía… Novelas fantásticas que te hagan imaginar los personajes, lugares, el que pasará…

IDENTIDAD CORPORATIVA

La identidad corporativa, también conocida como imagen corporativa, es el conjunto de aspectos visuales que le dan a una empresa una identidad, una personalidad, un concepto o un estilo definido y propio.

La identidad corporativa abarca dos aspectos: los internos y los externos; los internos incluyen la forma en que están ubicados los exhibidores, la distribución del mobiliario, los colores de la fachada y de las paredes, la ambientación y la decoración del local, etc.

Mientras que los aspectos externos incluyen el logotipo, la tipografía, y los colores de la empresa, los cuales son utilizados en los letreros, carteles, folletos, catálogos, tarjetas, páginas web, cartas, emails, comprobantes de pago, uniformes, artículos publicitarios, etc.

Es fundamental definir claramente la identidad corporativa de una empresa desde el principio, ya que cuando la empresa ha crecido es difícil crear una nueva identidad si es que es otra la que ya se ha posicionado en la mente de los consumidores.

Contar con una identidad corporativa bien definida le permite a una empresa:

• ser fácilmente reconocida y recordada por los consumidores.

• vincular la identidad corporativa con algún aspecto positivo (por ejemplo, con una buena atención al cliente).

• realzar la publicidad (por ejemplo, al difundir la identidad corporativa a través de artículos publicitarios).

• darle un mayor valor a su marca (al ser la manifestación física de ésta).

• distinguirse visualmente de la competencia.

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Veamos a continuación una breve guía compuesta por 4 pasos que nos ayudará a definir y difundir nuestra identidad corporativa:

1. Definir el concepto o estilo de la empresa

En primer lugar debemos definir el concepto o estilo de nuestra empresa que queremos proyectar, teniendo en cuenta el giro de nuestro negocio, su misión y sus objetivos, y preguntándonos cómo es que queremos que el público nos perciba, y cómo es que queremos distinguirnos de la competencia.

2. Diseñar logotipo y definir tipografía y colores distintivos

Una vez que hemos definido el concepto o estilo que queremos proyectar pasamos a diseñar nuestro logotipo y a definir la tipografía y los colores distintivos que vamos a utilizar; para lo cual es recomendable contratar los servicios profesionales de algún diseñador gráfico o experto en identidad corporativa que trabaje junto con nosotros y nos ayude con dicha tarea.

3. Diseñar manual de identidad corporativa

Una vez que contamos con nuestro logotipo y sabemos la tipografía y los colores distintivos que vamos a utilizar, pasamos a diseñar un manual en donde señalemos cómo es que éstos serán plasmados en nuestros letreros, carteles, folletos, catálogos, tarjetas de presentación, páginas web, cartas, emails, comprobantes de pago, uniforme del personal, artículos publicitarios (lapiceros, llaveros, destapadores, etc.), vehículo repartidores, etc.; y luego, a hacer efectivo ello.

4. Plasmar identidad corporativa en el diseño del local

Y finalmente, pasamos a plasmar nuestra identidad corporativa en el diseño del local de nuestra empresa, por ejemplo, pasamos a ubicar los exhibidores, distribuir el mobiliario, pintar la fachada y paredes internas, y ambientar y decorar nuestro local, de acuerdo al concepto y estilo que hemos decidido proyectar; para lo cual también podríamos decidir contratar los servicios de algún profesional, por ejemplo, de algún arquitecto o diseñador de interiores.

Fotografía Artística, Composición

FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA, Composición

Aunque las reglas que vamos a ver no son principios matemáticos, si las empleamos notaremos como la imagen obtenida provoca cuando la observamos sensaciones de mayor intensidad. 

COMPOSICIÓN SIMÉTRICA:

Muchos de los temas que se fotografían habitualmente tienen uno o varios planos de simetría. Personas, animales, objetos, incluso la línea del horizonte pueden actuar en tal sentido.

La imagen resulta agradable si los motivos situados a ambos lados del eje de simetría tienen el mismo "peso visual”.

La composición simétrica es sencilla, solemne y formal; pero fría y demasiado mecánica.

COMPOSICIÓN ASIMÉTRICA: 

Son numerosas las variantes que pueden incluirse en este apartado. Se las conoce con el nombre de las formas de letras o figuras que adoptan. Las más utilizadas son la triangular y las realizadas en forma de S, L, o C., que parece ser que son las que más a gusto recorren nuestra vista.

COMPOSICIÓN CON LINEAS: 

Las líneas pueden estar presentes en la imagen o existir implícitamente uniendo sus elementos constituyentes.

En una composición, las líneas pueden actuar: haciendo penetrar nuestra visión en la fotografía, guiando nuestra mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de la foto lo más suavemente posible.

REGLA DE LOS TERCIOS:

Es la norma más clásica en la composición, tanto en pintura como en fotografía.Se basa en dividir el formato rectangular en tres bandas iguales, tanto vertical como horizontalmente. Existen variantes más complejas basadas en la utilización de la sección áurea clásica, pero sus resultados son similares.

Las dos líneas verticales u horizontales, con que imaginariamente dividimos el encuadre, determinan la posición principal de los elementos alargados (horizonte, edificios, etc.) y en los cuatro puntos de intersección de estas líneas se sitúan los puntos de interés de la imagen.No es necesario ocupar todas las líneas ni los puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el elemento principal.

De esta regla se desprende la conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar nunca el horizonte en el centro del fotograma. 

EL EQUILIBRIO:

Una fotografía resulta tanto más agradable, cuanto más equilibrada sea la situación de los elementos que la componen.

La distribución de los elementos ha de hacerse posicionando los objetos según su "peso visual", conforme los colocaríamos en una balanza cuyo centro coincidiese con el del fotograma. Según esto, los elementos de mayor masa visual se colocarán más al centro, y los más ligeros hacia los márgenes.

El concepto de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa, y también como el del volumen y el peso que intuitivamente asociamos a cada elemento.

El equilibrio también se extiende a las composiciones verticales, por ello inconscientemente, la foto nos resulta más natural si situamos los objetos más pesados más abajo que los ligeros.

Recurriendo al símil de la balanza, si buscamos una composición simétrica y equilibrada habrá que imaginar la escena como una balanza de dos platillos y distribuir los elementos en consecuencia. Si perseguimos un equilibrio asimétrico los distribuiremos imaginando una balanza romana.

En fotografía en color, la noción de equilibrio, se extiende también a la intensidad y al contraste de los colores. Una imagen mal equilibrada es rechazada mentalmente por cualquier observador, con lo que el resto de su mensaje puede ser totalmente inútil. 

   

EL RITMO:

El ritmo es el resultado de la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta la armonía de una escena. El ritmo permite además unir los diferentes elementos de la escena para conferirles unidad y fluidez.

Las composiciones con ritmo excesivamente rígido, como las olas, cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo, etc., conviene romperlas con algún pequeño objeto discordante que atenúe su rigidez y proporcione un centro de interés.

Teoría del Color para Diseño Web

Se abordan siete cuestiones que deberían tenerse en cuenta para la correcta percepción y utilización del color en diseño web, a saber:

Impacto emocional

La psicología cree que el color hace más que solamente impactar nuestro sistema visual. Por ejemplo, los mismos mecanismos que reciben el color, son los que a través del hipotálamo, permiten a los pulsos llegar a la pituitaria y la glándula pineal. Se cree que algunas reacciones temporarias que afectan el estado de ánimo ocurren como resultado de la exposición a ciertos colores (rojo para estimular, azul para calmar, entre otras).

Buscar la reacción del usuario espontáneamente puede ser algo muy útil.  Hay evidencia fehaciente sobre la teoría de la percepción del color y los efectos potenciales que podemos lograr utilizándolos.

Enfoque del usuario

Cuando hablamos de aplicaciones, podemos controlar o guiar al usuario sobre qué camino seguir. En los sitios web, necesitamos brindar el contenido necesario para promover estadías prolongadas. Si bien no podemos controlar el foco del usuario, podemos utilizar métodos subliminales y el color es una de las formas de hacerlo.

El más utilizado en estos casos es la aplicación de colores neutros o pasteles en general y colores vivos en aquellas zonas en las que deseemos que nuestros visitantes se enfoquen.

Efectividad en comunicar la información

Estudios recientes han demostrado que las clásicas páginas blancas con letras negras no serían el ideal para la visualización humana. Es mejor si el contraste se atenúa, utilizando por ejemplo colores pastel de fondo con textos oscuros, el tema del contraste es una de las principales razones por las que dejo de leer artículos muchas veces, es eso, o definitivamente bajarle el brillo al monitor, pero no es algo que podría denominar placentero.

Como diseñadores web deberíamos considerar incluir un color suave en lugar del blanco, algo que podría hacer que nuestros lectores se queden por un tiempo. Así se aseguraría que lo que queremos decir a través de nuestros sitios (en especial si somos de escribir mucho) llegue como queremos y no muera en el intento.

Efectos de las combinaciones

Si pensamos en las versiones impresas, sus costos siempre implican que utilicemos menos colores. En el caso web, hay completa libertad para usar la cantidad de tonos que necesitemos, por lo que se pueden explorar combinaciones que favorezcan nuestro diseño y de esa manera agregar valor.

Para ello, es necesario contar con armonías de color, que aseguran la correcta utilización de las paletas de colores. Así como existe una relación entre los colores y la reacción humana a ellos. También existe una reacción hacia las combinaciones de colores que se encuentran en armonía.

Impacto y límites de la variedad

Al elegir entre tanta variedad de colores y sus combinaciones cómo decidimos cuántos y cuáles son necesarios (o suficientes). En el uso del color hay un rango de colores que se podría denominar “justo” para aplicar en diseño, y sería, siempre utilizar entre 3 y 5 colores.

Menos de 3 hará que nuestro sitio se vea monocromático, más de 5 logrará un nivel interesante de distracción (que estamos intentando evitar).

Sugestión subliminal

Quizás no existan pruebas fehacientes, pero los mensajes subliminales y sus efectos continúan siendo estudiados por la psicología, y son denominados estímulos y estímulos negativos.

En los estímulos generalmente se prepara al usuario a recibir determinado objeto para obtener una ventaja de la comunicación entre uno y otro. En el caso de los estímulos negativos, se puede provocar en la persona, un retraso en identificar lo que se quiere transmitir, aun cuando es obvio.

El perfecto ejemplo de esto sería ese párrafo con palabras en diferentes colores dónde encontraremos la palabra “verde” en color rojo, para quienes lo han intentado saben cómo podemos confundir nuestro cerebro a partir de esta práctica.

Si bien habría que investigar sobre las implicancias éticas o legales de esta práctica, lo que se quiere explicar con esto es que es necesario dar un mensaje claro aún desde los colores. Lo ideal siempre es reducir al mínimo posible los efectos subliminales del color, si tenemos un sitio de ecología por ejemplo lo ideal será utilizar tonos verdes, ya que los grises o neutros podrán asociarse inconscientemente a la polución.

Color como factor de accesibilidad

Crease o no, los colores también tienen una teoría de accesibilidad. Si bien la web nos permite alcanzar límites impensables hace algunas décadas, existen millones de personas que no pueden percibir los colores en su totalidad, incluso, miles que, con problemas oftalmológicos solo ven las cosas borrosas. 

Diseñar un logo

DISEÑAR UN LOGO

Afrontar el diseño de un logo no suele ser tarea fácil, incluso para diseñadores con experiencia. Hay muchas cosas para tener en cuenta y si bien, el proceso es realmente apasionante, solemos encontrarnos con cuestiones prácticas que no siempre logran el resultado que deseamos.

El Logo debe ser Versátil

Poder ser utilizado en varios tipos de medios debería ser una premisa primordial al comenzar a diseñar cualquier logo. Tener en cuenta que no solo va a mostrarse en un medio gráfico, sino que probablemente se aplique sobre corpóreos, en imágenes o sitios web.

En el pasado solo se diseñaba para aplicar sobre medios gráficos, y la calidad de los colores e incluso el estilo no eran tan importantes como lo son hoy en día. Por ello, si se diseña un logo para aplicar sobre diferentes medios, se debe lograr cierta simpleza para lograr mayor versatilidad.

El logo debe recordarse fácilmente.

Un buen logo es aquel que puede recordarse y asociarse fácilmente por aquellos quienes lo ven. Para ello es importante tener en cuenta no solo la forma sino los colores. 

En general, en esta cuestión debemos tener en cuenta para quién diseñamos, por ejemplo los altos contrastes generan mucha vibración y son extremadamente potentes, algo que jamás podríamos utilizar para un logo de ropa para niños.

En el caso de la forma hay que tener en cuenta que la complejidad de un logo no ayuda a la fijación, y sobre todo si no tiene nada que ver con lo que la marca debería representar.

 El logo debe responder a las preguntas ¿por qué? ¿Quién? y ¿qué?

Un logo no debe explicar lo que una empresa hace, pero si puede hacer que esté implícito aquello que se quiere que el cliente piense sobre el producto. 

Si deseas realizar un buen logo para cualquier cliente entonces deberás obtener respuestas a las siguientes preguntas:

¿Por qué necesita este logo?

¿Quién es el objetivo?

¿Cuál es el propósito?

Entender o saber esto es una parte importante del proceso de creación, ya que de esta forma evitaremos crear logos que no tengan nada que ver con el producto o cliente, o con la estética inherente.

El logo debe perpetuarse

Un logo realmente bien diseñado sobrevive los cambios en las tendencias año a año, puede sufrir cambios pequeños pero a grandes rasgos se mantendrán sin modificaciones.

Ejemplos claros de esto pueden ser grandes marcas como Nike, Coca-Cola, Ferrari o Mercedes Benz.

Hay compañías que piensan que para estar a la moda deben cambiar su logo todos los años, pero esto es un error, ya que el cliente no suele asociar la marca e involucrarse si se utiliza durante un corto período. Es sencillo, el logo no debe cambiarse y de hacerlo debe implicar una renovación completa de la marca.

El logo debe poder mostrarse en blanco y negro

A través de esta regla podremos asegurarnos que la simplicidad está siendo correctamente utilizada, el hecho de que un logo se vea e implique lo mismo en negativo asegura que el concepto sea el que realmente esté actuando y se materialice.

Algo para tener en cuenta, que por lo general los logos que se imponen en el mercado no cargan consigo sombras ni degradados. Y de hacerlo en la muestra principal, no lo harán en el plano simplificado, que es la forma básica.

El logo debe impresionar y seducir

El logotipo de una empresa es la primer respuesta a la pregunta: ¿Porqué yo soy mejor que el resto? El tener un logo que impresione y seduzca es la llave para acceder mejor y más rápidamente a nuestros clientes potenciales.

Impresionar a través de la marca brinda respeto y confianza en nuestro producto. Es posible, que un logo que no respete esta regla pueda causar una buena impresión. La originalidad de la compañía comienza en el logo, por lo que un logo original es una ventaja competitiva.

Por lo que, a la hora de diseñar nos encontraremos entre dos posibles caminos: podemos hacer un logo que salga de lo común y puede llegar a terminar siendo apreciado como una nueva construcción con respecto a la compañía que representa, pero a su vez puede ser visto como un elemento que sobresale en el mundo del diseño de logos y que nos potencie como diseñadores.

El logo debe ser simple

La regla más importante y como conclusión establece que: en muchos casos las cosas simples explican y contienen el mensaje de mejor manera que aquellas complejas.

Diseño en la Publicidad

DISEÑO EN PUBLICIDAD

Publicidad es una forma destinada a difundir o informar al público sobre servicio o un bien, a través de los medios de comunicación, donde se adquieren dichos espacio en un contrato de compra y venta. La publicidad es un espejo que refleja las tendencias del mundo real, lo que sucede en la moda, el cine y el arte en general.

Puede parecer que la única función de la publicidad es la económica, sin embargo, se pueden distinguir otras funciones como son: 

•Función sustitutiva:  
Con demasiada frecuencia, el objeto que se anuncia se presenta como dotado de unas propiedades que realmente no tiene.

•Función estereotipadora:
La publicidad tiende a hacer que las personas compren objetos del mismo tipo. Pero no se trata sólo de que iguale los gustos de las personas, sino que también tiende a igualar formas de pensar, ideales, formas de vida, etc...

•Función desproblematizadora: 
La publicidad suele presentar sólo el lado bello del mundo. En los anuncios publicitarios no suelen aparecer el dolor, la muerte, la desigualdad social, la injusticia o el paro. El producto que se anuncia se presenta como indispensable para lograr ser feliz. 

•Función conservadora: aunque pueda resultar paradójico, detrás de la aparente renovación que nos presenta la publicidad no hay más que la consolidación de los valores establecidos y aceptados por la sociedad. Por ejemplo, la diferencia entre los anuncios para niños y niñas.


•Función ideológica: la publicidad puede convertirse en un medio de presión ideológica, en el sentido de que puede contribuir a formar “estados de opinión” en los miembros de la sociedad. Un buen ejemplo es el condicionamiento a que se pueden ver sometidos los medios de comunicación por parte de los que pagan los anuncios.
Por otra parte el  diseño gráfico es una profesión cuya actividad, es la acción de concebir, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinados a transmitir mensajes a grupos sociales determinados.
Esta actividad posibilita comunicar gráficamente; ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicas, estéticos y tecnológicos.

Tanto la publicidad como el diseño están íntimamente relacionados, ambas comunican una idea gráficamente a través de medios de comunicación, que llegan a un determinado grupo de personas, en términos de publicidad (target). La publicidad es esencialmente una actividad de comunicación, que forma parte de proceso y del sistema de comunicación y que apunta a promover la venta de un artículo, producto o servicio; a fomentar una idea o a lograr cualquier otro efecto que desee conseguir el anunciante.

El diseño gráfico es indispensable para una publicidad exitosa, cada día más, en que crece la variedad de estímulos y tecnologías de la comunicación. No por nada el diseño aparece especializado en distintas áreas (multimedia, industrial, tecnológica, etc. amén de las tradicionales)